El Barroco

El arte barroco jugo un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo . Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoracion , la iglesia catolica uso para sus fines liturgicos la grandiosidad y la complejidad barrocas.
1º Sentido del movimiento , energia y tension.
2º Contraste de luces y sombras
3º Intensa espiritualidad , escenas de extasis , martirios y apariciones milagrosas.
4º Naturalismo plasmar personajes con la verdadera personalidad, los sentimientos interiores que aparecera reflejado en el rostro de los personajes y la busqueda de la sicologia de los personajes .
Pintura
* Se impuso el realismo , tal y como son los personajes incluso sus defectos.
* Se utilizaba la tecnica "Claroscuro" que crean partes con bastante sombra que contrasta con partes claras.
* Todos los personajes tendran gran emotividad .
* Escenas religiosas , retratos , mitologias, escenas de la corte y imagines de la vida cotidiana.
Arquitectura
* Tuvo como objetivo de emocionar y llamar la atencion del espectador
* Uso de linea curva en las estructuras y en la decoracion .
* Destaca el uso de columnas salomonicas , que son las que tienen fustes en espiral y da una sensacion de movilidad .
* Efectos luminosos en los edificios .
* Abundancia de decoracion y de adornos .
* Utilizacion de materiales ricos una sensacion de poder en la iglesia.
Escultura
* Realismo en las representaciones se dio de rasgos fisicos y naturales.
* Un gran patetismo mucho movimiento en los gestos .
* Hubo gran interes por plasmar la sicologia de los personajes .
* Adquirieron gran movilidad , energia y vitalidad.
* Se ponteciaron los efectos luminosos . Los plieges de la ropa y los gestos provocan luces y sombras .
* Fue muy variada . se desarrollaba retratos y escenas mitologicas 

El palacio de versalles

Versalles se constituye cuando el padre de Luis XIII en 1623 manda construir en la finca dedicada a la caza un pequeño castillo llamándolo “Castillo del Hombre Gentil”, en ladrillo, piedra y pizarra. Al llegar al trono Luis XIII le agrada y lo manda reconstruir rápidamente a su “ingeniero y arquitecto” Philibert Le Roy. Este primer castillo de Versalles corresponde a los edificios que rodean al tribunal de Mármol.

Luis XIII deseaba acercarse a París y mandó construir el primer núcleo de Versalles, se trataba de un palacete pequeño, algo más que un simple apeadero de caza. Era un lugar hecho para la intimidad y su belleza, aburguesada, desdecía de los demás monumentos monárquicos de la época.

En 1661 a 1668 el joven Luis XIV, el Rey Sol, mandó hacer un proyecto a su arquitecto Louis Le Vau. Pero este "pequeño castillo de cartas", según la expresión de San Simón, sigue siendo demasiado estrecho para las necesidades de la corte.

Los arquitectos que edificaron el Versalles opulento insistían en proponer la demolición del palacete primitivo que entorpecía el desarrollo urbanístico, pero el Rey no quiso que se tocara el Versalles primitivo edificado por su padre. Quedó con uso de antesala; el Palacio de Mármol, servía de escenario para las fiestas, danzas y pantomimas.

Las monarquias

La feudal con la baja edad media, la autoritaria con los siglos XV y XVI, y la absoluta con los siglos XVII y XVIII
Diferencia entre monarquia feudal y autoritaria: en la monarquia feudal el rey apenas era mas que una figura simbolica, el poder real lo estantaban los señores feudales sobre cada uno de sus territorios, de hecho el rey ni siquiera tenia ejercito, tenia que pedirselo a los nobles, dependia totalmente de ellos...la monarquia autoritaria solo se da en cuatro paises (inglaterra, francia, españa y portugal) y se caracteriza por todo lo contario de la feudal: ahora el rey impone su poder y su voluntad sobre los señores feudales por medio de instituciones como el ejercito, los tribunales, la burocracia...ademas, en lugar de la fragmentacion propia del feudalismo se tiende a la unificacion de territorios con caracteristicas similares y se intenta lograr la uniformidad (misma religion, lengua, leyes)...por primera vez en la historia, los reyes ostentan poder real sobre todo su territorio

Diferencia entre monarquia autoritaria y absoluta: la monarquia absoluta va todavía más allá que la autoritaria...ahora el poder del rey es total, la nobleza pierde toda su importancia, todo el poder del estado está concentrado en una sola persona el rey, ya no solo en teoría como ocurría con la monarquia autoritaria sino tambien en la practica. Otra novedad es que el rey legitima este poder absoluto en que ha sido elegido por dios para gobernar y que él solo debe responder ante dios y no ante el pueblo...el ejemplo por excelencia de monarquia absoluta es la francia de luis XIV, el rey sol 

Paz de westfalia

La paz de Westfalia es como se conoce a dos acuerdos alcanzados en las ciudades de Osnabrück y Münster en 1648, uno el 15 de mayo y el otro el 24 de octubre. Según estos tratados, se ponía fin a la guerra entre los estados beligerantes en Alemania, príncipes protestantes por un lado y Sacro Imperio y católicos por otro, y se concluía también el enfrentamiento que durante ochenta años enfrentaba a España con la República de los Siete Países Bajos. Fue, en resumen, el tratado que puso fin a la Guerra de los Treinta Años, iniciada en 1618 con la Defenestración de Praga.
Los representantes diplomáticos del Sacro Imperio Romano-Germánico, España, Francia, Países Bajos, Suecia y una multitud de príncipes alemanes se reunieron en un acontecimiento diplomático sin precedentes, después de un conflicto de dimensiones extraordinarias que había arrasado por completo a Alemania, y que había supuesto la ruina de las pretensiones de la casa de Austria, tanto la rama española como la imperial.

guerra de los treinta años

Este conflicto religioso y politico ocurrio en Alemania en el siglo XVII.
Orígenes En esta larga guerra se combinaron una serie de factores diversos. La división religiosa del Imperio,  en la paz de Augsburgo (1555), era todavía fuerte de tensiones.  Federico IV fundó la Unión Evangélica (protestante) en 1608, y Maximiliano I de Baviera respondió con la Santa Liga al año siguiente. La situación se complicaba con la pugna entre el emperador y los príncipes por el dominio en el Imperio. Por otro lado, los esfuerzos de los Habsburgo vieneses por introducir la contrarreforma católica y  
germanizar sus dominios patrimoniales encontraron.







Foto del rey Gustavo  Adolfo de Suecia          

Las hilanderas de Velazquez

Una de las obras más interesantes y enigmáticas del pintor sevillano, sobre todo en cuanto al tema, es La fábula de Aracné. Fue pintado casi con total seguridad en 1657 para D. Pedro de Arce, Montero del Rey, aunque en el siglo XVIII ya figura en las colecciones reales. En primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices. Al fondo, detrás de ellas, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de tapices. Esta última escena sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné, al presumir de tejer como las diosas, es retada por Atenea a la confección de un tapiz. El jurado dictaminó un empate pero Atenea castigó a Aracné convirtiéndola en araña para que tejiera durante toda su vida. Con esta fábula, Velázquez quiere indicarnos que la pintura es un arte liberal, igual que el tejido de tapices, no una artesanía como la labor que realizan las mujeres en primer término. Poner el mensaje en un segundo plano es un juego típico del Barroco. También hay quien piensa que se trata de una escena del obrador de la Fábrica de Tapices de Santa Isabel que el pintor solía frecuentar a menudo. Pero esto no sirve para explicar la escena de segundo plano. Trate sobre lo que trate, estamos ante una de las mejores pinturas, en la que Velázquez ha sabido dar sensación de movimiento, como se aprecia en la rueca de la izquierda, cuyos radios no vemos, y en la figura de la derecha que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos. También hay que destacar el efecto atmosférico, es decir, la sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace que las figuras estén borrosas. La pincelada no puede ser más suelta, utilizando manchas como en el caso del gato o el rostro inacabado de la mujer del centro, que está a contraluz. La luz viene de la derecha, siendo admirable que con tan limitado colorido se obtenga esa excelente luminosidad. El artista consigue anticiparse al Impresionismo en 250 años. Los añadidos posteriores en los cuatro lados hacen la obra más grande pero no menos interesante.

La venus del espejo

Es la única obra conservada de Velázquez en la que aparece una mujer desnuda, aunque sabemos que pintó alguna más. Por supuesto, nadie duda de su autenticidad, pero sí existen discusiones en torno a la fecha: unos piensan que la hizo en 1648 y otros que fue en Italia, entre 1648-1650. Lo que sí es cierto es que apareció en un inventario en 1651 como propiedad del Marqués de Eliche, gran amante de la pintura de Velázquez y de las mujeres, por lo que se piensa que puede representar a su esposa o a una de sus amantes. Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama que el marqués amaba. 

Las meninas

El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus damitas de compañía (meninas en portugués) irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey Felipe IV, que se encuentra pensativo y observa los modelos que se dispone a pintar. Nosotros podemos ser esos modelos ya que somos contemplados por Velázquez. Sin embargo, los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a quienes vemos reflejados en el espejo del fondo, son las personas que el pintor retrata.Pero vayamos por partes, en primer término y de izquierda a derecha tenemos a María Agustina Sarmiento que está haciendo una reverencia y ofreciendo en una bandeja plateada un jarrito o búcaro rojo a la infanta Margarita de Austria que se encuentra en el centro de la composición y resulta ser una deliciosa y encantadora niña de seis añitos de edad. Margarita acepta con su mano el jarrito y nos observa con su candorosa mirada infantil. Un poco más a la derecha vemos a otra menina, Isabel de Velasco, que también muestra sus respetos mediante una suave reverencia. La siguiente es Maribárbola, enana macrocéfala de origen alemán, que también nos mira y, finalizando este plano, Nicolasillo Pertusato, que parece un niño pero también era un enano, bastante travieso por cierto, pues ya ves que le está dando una patada a un gran mastín tumbado en el suelo.Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes y se ha representado a sí mismo muy elegante y como de cuarenta años cuando ya rondaba los cincuenta y siete. Delante de él está la parte posterior del lienzo sobre un caballete.Ahora pasas a la zona derecha y, en un segundo plano, ves dos personajes: la dama Marcela Ulloa, “guarda menor de damas” y un caballero sin identificar que sería un sirviente de la corte y que tiene las manos juntas mientras escucha la conversación de la dama. Para marcar la distancia y el espacio, Velázquez los sitúa a ambos en penumbra y más abocetados que las meninas.Al fondo, una puerta de madera con cuarterones se abre a una estancia posterior muy iluminada y José Nieto, aposentador de la corte, está en las escaleras, no sabemos si viene o se va. Lleva un sombrero en la mano y viste una elegante capa negra. La luz es de tal intensidad que hace brillar la escalera, la puerta y la persona de José Nieto.Colgado en la pared ves un espejo que refleja la luz y donde el rey y la reina aparecen con un cortinaje rojo. No sabemos si están quietos posando para Velázquez o si entran en ese momento en la habitación.La estancia es amplia y de techo alto, sería el estudio del pintor y por eso hay grandes cuadros por las paredes (identificados en la actualidad). Existen ventanas en la pared derecha y están alternativamente abiertas y cerradas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. El gran tamaño de las figuras, casi natural, subraya aún más su presencia en un espacio muy creíble.

La rendriccion de Breda

Cuando les estan dando las llaves
el caballoes muy importante ya que casi ocupa todo el cuadro
y los palos que tienen banderas significan victoria en cambio los que no tienen nada son los derrotados

Conde duque de olivares

La fragua de vulcano

Es una pintura al óleo sobre tela datada en el año 1630 durante el primer viaje a Italia de Diego Velázquez. No fue ningún encargo real, pero pronto pasó a formar parte de la colección de Felipe IV y actualmente podemos contemplarla en el Museo del Prado de Madrid.
Se trata de una escena en la que se nos muestra al dios mitológico Apolo, en el momento de comunicar al dios Vulcano que su esposa la diosa Venus, le está siendo infiel con el dios de la guerra, Marte. Recoge justamente el momento del “chivatazo”, por lo que recoge el choque psicológico que el hecho provoca en los que lo escuchan. Es el episodio burlesco del marido engañado, muy propio de la postura antimitológica de los pintores españoles del Siglo de Oro.

La bacanal ( borrachos )

Los borrachos o el Triunfo de Baco debió de pintarse en Madrid en 1629, el año siguiente del viaje de Rubens a la corte española, y quién sabe si esta primera composición mitológica de Velázquez no responderá a una sugestión del gran flamenco.

Vieja friendo huevos

Entre las obras realizadas por Velázquez durante su etapa sevillana, Vieja friendo huevos es una de las pocas que se fechan casi con total seguridad, apostándose por el año 1618. 

San Hugo en el refectorio de los cartujos

escenas fácilmente comprensibles para los fieles, le garantizaron el éxito en la ciudad. San Hugo en el refectorio pertenecía a una serie monástica, un encargo propio delBarroco sevillano. La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo, obispo de Grenoble.

Zurbaran - Cristo Crucificado

Zurbarán, uno de los pintores a quien más se ha calificado de místico, se lanza en este Crucificado a un estudio anatómico del cuerpo masculino lleno de sensualidad y perfección. El cuerpo de este Cristo muerto puede compararse en igualdad de condiciones al Cristo Muerto de Velázquez, quien estudió al mismo tiempo que Zurbarán en Sevilla. El pintor extremeño recurre a todos los efectos del caravaggismo, como es el fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco de luz lateral; esto hace relucir fantasmagóricamente la piel blanca del muerto, limpia, sin sangre ni rasguños, incluso la herida del costado se disimula hábilmente quedando oculta por la sombra en el costado derecho. 

Palacio Real

JARDINES


El Palacio Real de Madrid es la residencia oficial de Su Majestad el Rey de España, que lo emplea en las ceremonias de Estado, aunque no habita en él. 

El origen del palacio se remonta al siglo IX en el que el reino musulmán de Toledo construyó una edificación defensiva que después usaron los reyes de Castilla, sobre la que en el Siglo XVI, se construyó el Antiguo Alcázar.

Plaza Mayor de Salamanca

La Plaza Mayor de Salamanca fue construida entre 1724 y 1755 y se tiene por la más bella de España, modelo de plaza monumental porticada, de estilo barroco, del XVIII, con la característica decoración española de placas recortadas.

La Plaza Mayor

La escultura ecuestre que se encuentra en la plaza mayor es de Felipe III
Situada en el centro de la plaza, fue realizada en Florencia por los escultores Juan de Bolonia 

La incredulidad de Santo Tomas

La obra nos muestra el momento en que Cristo Resucitado se ha aparecido a sus discípulos, pero Tomás aún no cree en su identidad, por lo que Cristo mete uno de sus dedos en la llaga del costado. Este hecho, que podría parecer exageradamente prosaico, es la mayor prueba física del reconocimiento de Cristo, la definitiva demostración de su regreso desde el reino de los muertos. 

Conversion de S.Pablo

La Conversión de San Pablo:
"Saulo, respirando amenazas de muerte contra los discípulos del Señor, se presentó al Sumo Sacerdote y le pidió cartas de recomendación para las sinagogas de los judíos de Damasco, para que si encontraba algunos seguidores de Cristo, los pudiera llevar presos y encadenados a Jerusalén.

Cena de Emaus

Esta obra marca un giro radical dentro de la obra de Caravaggio, dando inicio al claroscurismo e introduciendo plenamente los motivos procedentes de la historia sagrada.
El tema tratado es la constatación de la Resurrección de Cristo y la vigencia de los sacramentos, especialmente la Eucaristía, temática de carácter cotrarreformista al ser este un sacramento negado por los protestantes.
El espacio es creado por medio de las posiciones escorzadas de la mesa y la cubertería, apareciendo numerosas naturalezas muertas. Cristo partiendo el pan en el momento de la Eucaristía es el eje axial de la composición, encontrándose iluminado por un foco de luz, dirigiendo hacia él la atención sus discípulos, que lo reconocen asombrados. Mientras, el posadero observa la escena con extrañeza, ajeno a lo que esta sucediendo.

La fontana de trevi

 La Fontana de Trevi tiene sus orígenes hacia el año 19 AC, cuando se descubrió un manantial de agua pura muy cercano a Roma, lo que se atribuyó a la intervención de la virgen. Este manantial dió origen a la construcción de un acueducto en cuyo final, como era costumbre en la época, se construyó una fuente, la primitiva Fontana de Trevi